portretter
Tegnet portretter fra 1500-tallet - av Pisanello eller Jan van Eyck, for eksempel - kan betraktes som fullførte billedverk i deres konsentrasjon, utførelse og distribusjon av rom. Den tydelige, delikate avgrensede representasjonen følger hver detalj på overflaten og streber etter realisme. Profilen, rik på detaljer, er å foretrekke; som ligner lettelse, det tilsvarer medaljongen. Neste, fremtredende for den rene profilen, kom tre-fjerdeprofilen, med sin mer romlige virkning, til syne for å forbli i århundrer den klassiske portrettinnstillingen.
Det nære forholdet til maleri gjelder praktisk talt alle portretttegninger fra 1300-tallet. Enda et så kraftig verk som Dürers tegning av keiseren Maximilian oppsto som et portrettstudie for et maleri. Samtidig legemliggjør noen av Dürers portretttegninger tydelig det siste stadiet av et kunstnerisk foretak, en ambivalens som også kan observeres i andre portrettkunstnere fra 1500-tallet. Verkene til Jean og François Clouet i Frankrike og av den yngre Hans Holbein i Sveits, og enda mer markant i England i det samme århundret, ga autonomi til portretttegning, spesielt når tegningen ble fullført med kritt i forskjellige farger. Valget av det mykere mediet, konturen, som for all sin nøyaktighet er mindre alvorlig selvforsynt, og den mer delikate interiørtegningen med plane elementer gir disse tegningene en livligere, mer personlig karakter og fremhever nok en gang deres nærhet til maleri.
I polykromatisk krittteknikk og pastell opprettholdt portretttegning sin uavhengighet inn på 1800-tallet. På 1700-tallet var Quentin de La Tour, François Boucher og Jean-Baptiste Chardin - alle disse kunstnerne fra Frankrike - blant de viktigste utøverne, og til og med Ingres, som bodde på 1800-tallet, brukte fremdeles sin teknikk. I pastellmaleri oppveide portrettet alle andre fag.
I valget av stilling, type og utførelse blir portrettmaleri, som andre kunstarter, påvirket av de generelle stilistiske trekkene i en epoke. Dermed ble den ekstreme billedlige holdningen til senbarokk og Rococo fulgt av en strengere unnfangelse under neoklassisisme, som foretrakk monokrome teknikker og dyrket i tillegg den spesielle formen til silhuetten, en profilkonturtegning med området fylt ut i svart. Skaperne av portretttegninger fra begynnelsen av 1800-tallet siktet en tydelig skyld til sine forgjenger fra det 15. århundre, og siktet nok en gang til den nøyaktige gjengivelsen av detaljer og plastiske effekter oppnådd gjennom de mest nøye utvalgte grafiske mediene: den tynne, harde blyanten var deres favorittinstrument, og sølvpunktet ble også oppdaget av romantikerne.
Mer interessert i de psykologiske aspektene ved portrettering, foredragene på slutten av 1800- og 1900-tallet foretrakk de mykere fargestifter som lett følger enhver kunstnerisk impuls. Beslagleggingen av karakteristiske elementer og en tilstrekkelig plane gjengivelse veide tyngre med dem enn realistiske detaljer. Humørelementer, intellektuell spenning og personlig engasjement er typiske trekk ved det moderne portrettet og dermed også ved moderne portretttegning, en kunst som fortsetter å dokumentere kunstnerens personlige håndverk utover egenskapene til forskjellige teknikker.
landskap
Så tidlig som på 1400-tallet oppnådde landskapstegninger nok autonomi, slik at det er vanskelig å skille mellom den ferdige studien med bakgrunn i et bestemt maleri og et uavhengig, selvforsynt skissert landskap. Allerede i Jacopo Bellinis skissebøker fra 1500-tallet (bevart i album i British Museum og Louvre) er det en intim forbindelse mellom naturstudie og billedstruktur; i Titians studio på 1500-tallet må landskapsskisser ha blitt vist som forslag til billedlig bakgrunn.
Men det var Dürer som utviklet landskap som et husket bilde og autonomt kunstverk, kort sagt, som et eget tema uten henvisning til andre arbeider. Akvarellene hans fremfor alt, men også tegningene av hans to italienske reiser, fra omgivelsene til Nürnberg, og av reisen til Nederland, representerer de tidligste rene landskapstegningene. Århundrer måtte gå før slike tegninger skjedde igjen i denne absolutte formuleringen.
Landskapselementer var også veldig betydningsfulle i tyske og nederlandske tegninger og illustrasjoner fra 1500-tallet. Den figurative representasjonen, som fremdeles eksisterer i de fleste tilfeller, er formelt sett ganske integrert i det romantiske skog-og-englandskapet, særlig i arbeidene fra Donau-skolen - for eksempel Albrecht Altdorfer og Wolf Huber. Oftere enn på andre skoler finner man her nøye utførte naturutsikter. I Nederland tegnet Pieter Bruegel topografiske synspunkter så vel som frie landskapskomposisjoner, i begge tilfeller som autonome verk.
På 1600-tallet nådde naturstudiet og landskapstegningen som vokste ut av det en ny høyde. Landskapstegningene av Accademia degli Incamminati (for eksempel Domenichino) kombinerte klassiske og mytologiske temaer med heroiske landskap. Franskmannen Claude Lorrain, bosatt i Roma, jobbet ofte under åpen himmel, og skapte landskapstegninger med en hittil uoppnådd atmosfærisk kvalitet. Denne typen kultiverte og idealiserte landskap, avbildet også av Poussin og andre nordmenn bosatt i Roma (de ble kalt nederlandske romanister med tanke på det faktum at så mange kunstnere fra Nederland bodde i Roma, og tegningene av Italia oppnådde en nesten eterisk kvalitet), står i kontrast til det uheroiske, nært naturbegrepet landskap som primært holdes av nederlenderne når de skildrer landskapet i hjemlandet. Alle landskapsmalere - landskapsmaleriene deres en spesialitet som var sterkt representert i de kunstnerisk spesialiserte lavlandene - skapte også uavhengige landskapstegninger (Jan van Goyen og Jacob van Ruisdael og hans onkel og fetter, for eksempel), med Rembrandt igjen som besetning av en spesiell stilling: fange egenskapene til en region ofte med bare noen få slag, forbedret han dem på en slik måte at de tilegner seg monumental uttrykksmakt selv i det minste formatet. I Italia på 1700-tallet fikk den topografisk trofaste landskapstegningen viktighet med fremkomsten av Vedutisti, formidlere av "utsikt", og dannet en gruppe av seg selv (blant dem Giambattista Piranesi og Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) og arbeidet ofte med slike optiske hjelpemidler som graticulate frame og camera obscura. Landskapstegninger av større kunstnerisk frihet, så vel som imaginære landskap, ble gjort mest vellykket av noen franske kunstnere, blant dem Hubert Robert; billedlig og atmosfærisk nådde disse temaene en ny blomstring i det børstetegnede landskapet til så engelske kunstnere som Turner og Alexander Cozens, hvis innflytelse strekker seg langt inn på 1900-tallet.
Gitt deres sterke interesse for avgrensning, observerte 1700-tallets tegnere av nyklassisisme og enda mer romantikk naturen med topografisk nøyaktighet. Som en ny "oppdagelse" inntok nå den romantisk og heroisk overdrevne alpine verden sin plass i kunstnerens sinn sammen med den arkadiske utsikten over det italienske landskapet.
Landskapstegninger og enda flere, akvareller, dannet et uuttømmelig tema på 1800-tallet. Den franske kunstneren Jean-Baptiste-Camille Corot og mot slutten av århundret, Cézanne og van Gogh, var blant de viktigste skaperne av landskapstegninger. Landskap utgjorde en del av arbeidet til mange tegnere fra det 20. århundre, men i store deler av århundret tok sjangeren som andre en annen plass til generelle formproblemer, der emnet bare ble behandlet som et utgangspunkt. I løpet av de siste 30 årene av 1900-tallet kom imidlertid et stort antall amerikanske kunstnere tilbake til representasjon, og investerte dermed i landskapet som et emne.
Figurkomposisjoner og stilleben
Sammenlignet med hovedtemaene for autonom tegning - portretter og landskap - er alle andre av mindre betydning. Figurkomposisjoner avhenger sterkt av maleriet i sin tid og er ofte direkte forbundet med det. Det var helt sikkert kunstnere som behandlet tegningene sine med temaene monumentalt maleri, for eksempel gravøren og etseren Raymond de La Fage fra 1600-tallet; Generelt sett er imidlertid det kunstneriske målet med figurkomposisjonen bildet, med tegningen som bare representerer et nyttig hjelpemiddel og en veistasjon. Sjanger-scener, spesielt populære i lavlandet fra 1600-tallet (som gjort av Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade, og Jan Steen, for eksempel) og i Frankrike og England fra 1700-tallet oppnådde en viss uavhengig stilling. Også på 1800-tallet var det tegninger som fortalte historier om hverdagen; ofte illustrerende med karakter, kan de kalles "små bilder", ikke bare på grunn av det ofte flerfargede formatet, men også i deres kunstneriske utførelse.
Stilleben kan også hevde å være autonome tegninger, spesielt representasjoner av blomster, for eksempel de av den nederlandske kunstneren Jan van Huysum, som har vært populære helt siden 1600-tallet. Også her er det sant at en godt designet ordning forvandler en umiddelbar naturstudie til en billedkomposisjon. I noen av disse komposisjonene er likheten med maleri veldig sterk; pastellene til 1800- og 1900-tallskunstneren Odilon Redon, for eksempel, eller verket til det 20. århundre tyske ekspresjonisten Emil Nolde, med sin kromatiske intensitet, overskrider helt skillelinjen mellom tegning og maleri. I stilleben, som i landskap, er autonome formprinsipper viktigere for moderne kunstnere enn den faktiske uttalelsen.
Fantastiske og ikke-representative tegninger
Tegninger med imaginære og fantasifulle temaer er mer uavhengige av ytre virkelighet. Drømmeoppslag, metamorfoser og sammenfletting av separate nivåer og virkelighetsregioner har vært tradisjonelle temaer. De sene 1500-talls fantasmagoriske verk fra Hieronymus Bosch er et tidlig eksempel. Det er allegoriske bondescener av den flamske kunstneren Pieter Bruegel fra 1500-tallet og karnevaletsene til den franske kunstneren Jacques Callot fra 1600-tallet. Andre hvis arbeider illustrerer hva som kan gjøres med å tegne utenfor landskap og portretter er: den italienske gravøren fra 1700-tallet Giambattista Piranesi, den anglo-sveitsiske kunstneren fra Henry fra 1700-tallet, den engelske illustratøren Walter Crane fra 1800-tallet, det franske 1800-tallet Symbolistkunstneren Gustave Moreau og surrealistene fra det 20. århundre.
Ikke-representativ kunst, med sin reduksjon av de grunnleggende elementene i tegning - punkt, linje, plan - til ren form, bød på nye utfordringer. Gjennom avståelse fra assosiative kroppslige og romlige forhold får utfoldelsen av dimensjonene til tegning og strukturen til de forskjellige mediene ny betydning. De grafiske egenskapene til linjen i flyet så vel som det umarkerte området hadde allerede blitt fremhevet i tidligere tider - for eksempel i grotteschi av Giuseppe Arcimboldo på 1500-tallet (de fantasifulle eller fantastiske fremstillingene av mennesker og dyreformer ofte kombinert med hverandre og vevd med fremstillinger av løv, blomster, frukt eller lignende) og i kalligrafiske øvelser som moresker (sterkt stilisert lineært ornament, basert på blader og blomster) - men mest som utskrifts- eller graveringsmodeller for de mest forskjellige dekorative oppgaver (interiørdekorasjon, møbler, redskaper, smykker, våpen og lignende).
