Koreografi, kunsten å skape og arrangere danser. Ordet stammer fra det greske for "dans" og "skriv." På 1600- og 1700-tallet betydde det faktisk den skriftlige oppteken av danser. På 1800- og 1900-tallet forandret imidlertid betydningen seg, unøyaktig, men universelt, mens den skriftlige platen ble kjent som dansens notasjon.
dans: Koreografi
Koreografi er kunsten å lage danser, samlingen og organisasjonen av bevegelse i orden og mønster. Senest
En kort behandling av koreografi følger. For full behandling, se dans: Koreografi; dans, vestlig.
Dansens komposisjon er kreativ på samme måte som komposisjonen til musikken er. Notasjonen av dans er imidlertid et arbeid med analyse og rapportering, utført generelt av andre mennesker enn koreografen, på språk eller tegn som godt ikke kan forstås av skaperen.
Under renessansen lærte dansemestere i Italia, som Domenico da Piacenza, sosiale danser på retten og begynte antagelig å finne opp nye eller arrangere varianter av kjente danser, og dermed kombinere en kreativ funksjon med de pedagogiske. Iscenesatt ballett benyttet de samme trinnene og bevegelsene som sosial dans og skilte seg fra den hovedsakelig i gulvarrangement og visuell projeksjon.
På 1500-tallet organiserte dansemestere ved den franske domstolen så gulvmønstre og teater- og kunstneriske kontekster av de sosiale dansene sine, slik at de startet en koreografisk form, ballet de cour. I de to århundrene som fulgte, utvidet gapet mellom sosial dans og teaterdans til balletten på 1800-tallet oppnådde et i utgangspunktet uavhengig ordforråd.
Balletmesteren i denne epoken, koreografen, var en arrangør av dans som teaterkunst. Kjempen til koreografien i slutten av 1700-tallet var Jean-Georges Noverre, hvis arbeider og forfattere fikk den dramatiske balletten, eller ballet d'action, feiret. I dette innlemmet ballett mime så vel som akademiske danser, noe som ga uttrykk for dansen etter fortellende og histrionisk kontekst. Etter Noverre og hans samtidige Gasparo Angiolini, utviklet andre denne trenden på forskjellige måter - spesielt Jean Dauberval i den realistiske skildringen av samtidslandsfolk, Charles Didelot når han beveget seg mot romantisk scene-illusjon og fantasi, og Salvatore Viganò i den dramatiske bruken av ensemblet (koreodramma) og naturlighet i tragisk gest.
Koreografene av den romantiske bevegelsen benyttet ballett, som ble kodifisert av mestere som Carlo Blasis, hovedsakelig i ballett-handlingen teaterformer på Noverres tid eller i opera-avvekslinger (balletiske mellomspill). Ballerinaen, hennes rolle forsterket av det nylig oppfunnet pointework (balanseposisjon på ekstrem tåspiss), og kvinnekorpset de ballet fikk begge ny prominens. Koreografene som best utviklet kunsten til teaterdansfortelling var August Bournonville i København; Jules Perrot, spesielt i London og St. Petersburg; og Marius Petipa, som i St. Petersburg brakte den spektakulære klassiske ballet-handlingen til sitt høydepunkt i verk som Den sovende skjønnhet, der utvidede og komplekse suiter av klassisk dans brakte poetisk og metaforisk uttrykk til plottet.
Tidlig moderne dans i USA introduserte nye elementer av bevegelse og uttrykk; og i ballett vektla arbeidet til Michel Fokine mer naturalistiske stilarter og et kraftigere teaterbilde enn Petipas ballettklassisisme hadde. Siden den gang har koreografiske former variert mellom polene for representasjon og abstraksjon.
Dansens notasjon på 1900-tallet var opptatt av grunnleggende bevegelse så vel som formell dans og ble hjulpet av oppfinnelsen av nye systemer med abstrakte symboler - de av Rudolf von Laban og Rudolf Benesh som var de mest innflytelsesrike. Labanotasjon var den første som indikerte varighet, flyt eller bevegelsesintensitet. I dag fortsetter disse systemene og andre å utvikle seg raskt, forsterket av film og videobånd.
Koreografi utviklet seg ikke mindre raskt. Metoder for komposisjon varierer radikalt - noen koreografer bruker dansernes improvisasjoner som råstoff, andre tenker ut hver bevegelse før repetisjon. Merce Cunningham forandret radikalt konteksten for koreografi i sin holdning til musikk og dekor som sammenfallende (snarere enn samarbeidsvillig eller støttende) til dans, i sin anvendelse av sjansemetoder innen dansekomposisjon og organisering, og i hans bruk av ikke-teatralske fremføringsrom. Han, George Balanchine og Sir Frederick Ashton ble de ledende eksponentene for klassisk eller abstrakt dans; men de to sistnevnte - som Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins og andre - produserte også viktige representasjonsverk av koreografi. De eneste absolutte reglene i koreografi i dag er at den skal pålegge dans orden utenfor nivået av ren improvisasjon og at den skal forme dans i de tre dimensjonene til rommet og den fjerde dimensjonen av tid, så vel som i henhold til potensialet til det menneskelige kropp.
