Venetiansk opera
Innvielsen tidlig i 1637 av det første offentlige operahuset, Teatro di San Cassiano i Venezia - en kommersiell virksomhet for en av byens velstående handelsfamilier - var en annen avgjørende faktor for utviklingen av operaen. Denne hendelsen fjernet til slutt operaen fra den eksklusive patronage av kongelige og adel og plasserte den innen rekkevidde for alle unntatt de fattigste sektorene i den italienske bybefolkningen. På slutten av århundret hadde Venezia ni slike kommersielle teatre, en rekke av dem viet til opera. Selv om teatrene ikke alle opererte samtidig, tiltrakk de seg likevel, og konkurrerte, om, nasjonale og internasjonale målgrupper. Dermed begynte en trend i løpet av midten av 1600-tallet til fordel for tomter med mer oppsiktsvekkende emner som inkluderte elementer av intriger, forkledning og bedrag og som krevde forseggjort maskineri. Kommersialiseringen av opera førte også til en økning i innflytelsen fra sangere; fremveksten av fremtredende rolle hos castrati (menn som hadde blitt kastrert før puberteten for å bevare høye rekkevidde og renhet for sine guttete stemmer, nå styrket av deres fullt modne kister); og en samtidig vektlegging av arier i forhold til resitativ.
Vestlig teater: Opera
Et av de mest varige produktene fra renessanseteatret var operaen. Det vokste ut av eksperimenter fra Camerata, et florentinsk samfunn
En elev til Monteverdi, Francesco Cavalli, ble den mest populære operakomponisten i sin tid ved å innrede operahusene i Venezia med mer enn to dusin operaer mellom 1639 og 1669. Cavalli tilførte librettos han satte til musikk med dramatisk kraft og direkte rett. Den mest berømte av operaene hans var Giasone (1649; “Jason”), hvis libretto av Giacinto Andrea Cicognini inkluderte farskiske episoder. Cavallis sjef Venetianske rival og etterfølger var Pietro Antonio Cesti, hvis arv inkluderer et dusin operaer, særlig Orontea (1656; libretto av Cicognini). Venetianske komponister i siste halvdel av århundret inkluderte Antonio Sartorio og Giovanni Legrenzi og på begynnelsen av 1700-tallet Antonio Vivaldi, som komponerte 49 operaer for Venezia og andre byer; mange av Vivaldis operaer er nå tapt. Den dyre publiseringen av operascorer opphørte når sjangeren ble etablert og aristokratisk patronage ble avviklet. De fleste operaer varte bare en sesong, hvoretter de ble erstattet av nyoppdragsgjerninger. Bare siden slutten av det 20. århundre har noen av disse operaene, spesielt de fra Cavalli, blitt gjenfunnet og gjenopplivet.
Venetianske operaer var ekstravagante saker der de usannsynlige plotene - en blanding av komiske og seriøse elementer - utspilte seg i enkle resitativer, og ariene tok på seg et nytt, lyrisk formspråk. Arias ble vanligvis støpt i strofisk form (strofer sunget til samme musikk) og flytende trippelmeter (takter i grupper på tre), og noen hadde repeterende bassmønstre (ostinatos eller bakkebasser) som forlenget de uttrykksfulle høydepunktene i plottet. Venetianske komponister utviklet særegne stiler og former for de mange solo-arier og duetter og ga liten oppmerksomhet til koret, som hadde spilt en mer fremtredende rolle i florentinske hoffproduksjoner og fortsatt var viktig for sine romerske samtidige. Den resulterende separasjonen mellom resitativ og aria og det samtidig fokuset på solosangere ble karakteristiske trekk ved opera de neste 200 årene. Dessuten økte antallet arier i en opera gradvis - fra omtrent 24 på midten av 1600-tallet til mer enn 60 innen 1670. Dermed oppfattet den florentinske (og Monteverdian) musikken til en opera som uatskillelig fra poesien og dramaet. ble snart omgjort av smak og ønsker fra det betalende venetianske publikummet, som nøt de visuelle elementene i sett og kostymer, gledet større glede av musikalsk utdyping enn av overbevisende dramatisk struktur, og ga en atmosfære der rivaliseringer blomstret mellom operaselskaper og blant deres høyt betalte stjernersangere.
Utvikling av operatiske stiler i andre italienske byer
Flere andre italienske byer utviklet snart gjenkjennelige operatiske stiler på 1600-tallet. I Roma, hvor velstående prelater ble ivrige sponsorer av opera, utvidet librettister rekke emner til å omfatte sagn fra helgener. De fleste av datidens romerske komponister, som Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi og Michelangelo Rossi, fulgte den florentinske tradisjonen ved å inkludere vokalensembler og korfinale (med dans) for hver akt. De skilte seg fra den florentinske stilen ved å øke kontrasten mellom arier og resitativer, slik at ariene kunne avbryte dramatisk kontinuitet, og gjøre resitativene mer talende og mindre interessante musikalsk. De brukte også komiske episoder for å lette de fremherskende tragiske historiene (som venetianerne gjorde) og introduserte instrumentelle overturer og overture-lignende stykker forut for handlinger eller seksjoner av handlinger.
To romerske komponister - Mazzocchis bror Virgilio og Marco Marazzoli - blir ofte sitert som å ha skapt den første fullstendig komiske operaen, Chi soffre speri (1639; "Han som lider, håper"). Dets libretto ble skrevet av Giulio Cardinal Rospigliosi, som skulle oppheves til pavedømmet i 1667 som Clement IX. Rospigliosis mest berømte libretto, Sant 'Alessio (1632; “Saint Alexis”), fikk en ramme av Landi, som krevde en mannlig rollebesetning, inkludert castrati i kvinnelige roller - et annet innslag i operaen i Roma, der kvinner ikke fikk lov å synge på scenen. Operaen ble gjenopplivet på slutten av det 20. århundre, med en ny rase av høyt trente, virtuose motstandere som inntok rollene som opprinnelig var ment for castrati.
Opera var også en viktig del av det musikalske livet i Napoli, der byens første permanente operahus, Teatro San Bartolomeo, ble etablert på midten av 1600-tallet. I 1700 konkurrerte Napoli Venezia som et senter for italiensk opera, hovedsakelig på grunn av verkene og innflytelsen fra Alessandro Scarlatti, som hadde gjort seg kjent i Roma. Scarlatti skrev minst 32 av sine 66 operaer for San Bartolomeo mellom 1684 og 1702, før krigen etter den spanske arvingen (1701–14) fikk ham til å returnere til Roma. Av operaene hans representerer La caduta de 'Decemviri (1697; “Decemvirenes fall”) - på en libretto av Silvio Stampiglia som inneholder ikke mindre enn 62 arier - Scarlatti på høyden av sin teaterkarriere. Han fortsatte å skrive operaer for Roma, Firenze og Venezia, før han vendte tilbake til Napoli i 1709. Der begynte imidlertid stilen til operaene hans å bli utdatert.
En nyklassisk bevegelse i opera, med opprinnelse i Venezia på slutten av 1600-tallet, hadde begynt å rense libretti fra komiske scener og karakterer og kreve enklere plott, basert på tragediene til de franske dramatikerne Pierre Corneille og Jean Racine, som brukte forhøyet språk og opprettholdt det klassiske idealet om enhet av tid, sted og handling, som krevde at librettoen hadde et enkelt plott som fant sted på en dag og innenfor et enkelt sted eller omgivelse. Disse verdiene gjenspeiles i en type opera kjent som en opera seria (flertall: opere serie), eller "seriøs opera", forskjellig fra en opera buffa (flertall: opere buffe), eller "komisk opera." Scarlattis opere-serie er eksemplarisk når det gjelder bruk av enhetlige plott med mindre enn 10 karakterer, hvis følelser og personligheter kommer til uttrykk i en serie da capo arias, en type aria spesielt assosiert med napolitansk opere serie. Da capo aria var en storstilt form i tre seksjoner (ABA), hvor den tredje gjentok den første “fra capo, eller hode” - det er fra begynnelsen. Formen besto av et pirkete, rimet dikt, hvis hovedidee ble fanget opp av ett eller to karakteristiske musikalske motiver som ble utvidet til en forseggjort solo full av musikk og tekstgjentakelser innrammet av instrumental ritornelli. Komponistens mål i hver arie var å skildre en eller to følelser fra et bredt spekter av lidenskaper for å lage et musikalsk portrett av den gitte karakterens sinnstilstand på det tidspunktet i handlingen - en funksjon som ligner handlingen- stopper filmbildet i dag. Scarlatti gjennomsyret arier med uvanlig kvalitet og dybde og ga dem rik og variert instrumentering.
Merkelig blant Scarlattis umiddelbare etterfølgere var slike komponister som Nicola Porpora, Leonardo Vinci og Leonardo Leo. Denne generasjonen samarbeidet ofte med den dramatiske dikteren Pietro Trapassi, kjent som Metastasio - kanskje den største librettistene fra 1700-tallet, hvis verk ble satt av rundt 400 komponister til langt ut på 1800-tallet. Metastasio og hans venetianske forgjenger Apostolo Zeno skrev tekster med formell skjønnhet og språklig klarhet, og fortsatte skikken med å basere librettos på den gresk-romerske legenden og pseudohistorien. foretrekker høytidelige, vanligvis tragiske emner (operaseria) i tre akter fremfor komiske episoder og karakterer.
Begrepet napolitansk opera, i tillegg til sin tilknytning til operaseria, kom også til å indikere en lett forfriskende stil, noen ganger kalt galant, som var basert på forgrunnen til grasiøse vokalmelodier, presentert i symmetriske, balanserte setninger. Disse melodiene ble satt opp mot en enklere akkompagnement som var fri for drivrytmene fra tidligere arier (av barokken, tilsvarer omtrent 1600- og 1700-tallet) og som støttet snarere enn å konkurrere med stemmen. Mange av egenskapene som ble assosiert med den såkalte Viennese Classic-stilen på 1700-tallet - særlig instrumentalmusikken til Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart og Ludwig van Beethoven - hadde sin opprinnelse i den tuneful vokalstilen til napolitansk opera.
I 1730 var italiensk opera, noen ganger i oversettelse, ankommet til 130 europeiske byer, fra København til Madrid og fra London til Moskva. De stadig mer stive og udramatiske konvensjonene av operaserien ga anledning til kritikk - som den mordante satiren Il teatro alla moda ("Teater à la Mode") utgitt i 1720 av den venetianske komponisten-poet-statsmannen Benedetto Marcello. De grunnleggende elementene i resitativ og aria, sporadiske ensembler og kor ble beholdt frem til i dag, selv om deres proporsjoner i forhold til hverandre varierte. På 1700-tallet var italiensk opera virkelig et internasjonalt medium og det eneste kjøretøyet som en vellykket komponist kunne oppnå berømmelse og formue.
